"El mundo no me quiere, pero no lo sabe"
Pier Paolo Pasolini
Corría el año de 1975 y la filmación de Saló o los 120 días de Sodoma había finalizado, una saeta plateada recorría las playas del antiguo puerto italiano de Ostia. Mientras en otro punto de la playa yacía un cuerpo ensangrentado y deformado de sus facciones. La saeta no era otra sino el Alfa Romeo 2000GT ultimo modelo, comprado ese mismo año por el poeta, escritor, periodista, guionista y director de cine, Pier Paolo Pasolini, solo que esta ocasión era conducido por su ahora homicida.
Pasolini nació en Bolonia, Italia el 5 de Marzo de 1942, hijo de un oficial del ejército italiano, famoso por salvar en alguna ocasión a Benito Mussolini; curso sus estudios universitarios en la Universidad de Bolonia, donde publicó su primer libro de poemas titulado Poesía a Carsarsa en 1942.
Me he levantado entre las violetas
mientras aclaraba
cantando un canto olvidado
en la noche serena.
Me dije: «¡Narciso!»,
y un espíritu
con mi rostro
oscurecía la hierba
al claro de sus rizos. 1
Durante la Segunda Guerra Mundial Pier Paolo se unió al ejército italiano, durante la misma su regimiento fue capturado por alemanes pero se las arreglo para escapar hacia la campiña italiana, donde se afilió al partido comunista.
En 1950, después de terminar sus estudios universitarios, se mudo a Roma donde sería arrestado en diversas ocasiones por frecuentar burdeles donde se relacionaba con lo mas bajo de la sociedad italiana.
Su primer novela Ragazzi di vita lo llevaría a ser acusado por cargos de obscenidad y llevado antes los tribunales, acusaciones que posteriormente serian retiradas. Seria su segundo libro Una vida violenta seria el que le daría reconocimiento de la crítica especializada.
Si bien dio sus primeros pasos dentro la poesía, donde es posible rastrear temas que posteriormente marcarían su cinematografía, como la critica al marxismo histórico o su abierta homosexualidad; son sus dos primeras novelas las que lo conducen a escribir guiones para algunos de los directores italianos más importantes de su tiempo como Federico Fellini, Mauro Bolognini y Bernardo Bertolucci.
Neorrealismo
El neorrealismo italiano comienza en 1940 y termina a inicios de los años sesentas, durante este periodo se realizaron más de 2,000 películas, que en total representaron menos del 5 por ciento del total de las cintas realizadas durante esos años en Italia2.Surge como una reacción del cine del cine fascista implementado durante la dictadura de Benito Mussolini.
Mostrar al hombre en su vida diaria era el objetivo del neorrealismo, mostrar como se vivía realmente alejados de los héroes falsos y estereotipados del fascismo, había que recrear el paisaje urbano reconocible por el espectador.
Los catedráticos dividen a los directores neorrealistas en tres:
1. Documentos testimoniales, buscaban ser testimonios de los sucesos de la época y sus circunstancias. Pertenecen a esta primera fase del neorrealismo todos los filmes inmediatos a la posguerra. Destacan los directores Roberto Rossellini y Vittorio de Sica
2. Neorrealismo de etiqueta, su objetivo era mostrar personajes reales en su ambiente, incluyendo una gran crítica social. Igualmente se apoyan en otros géneros como el realismo social o la comedia. Comandados por Roberto Lattuada y Carlo Lizzani.
3. Posneorrealismo, durante esta fase los cineastas se enfocaron en mostrar el choque entre la realidad interior de los individuos y la realidad exterior de la sociedad en que se desenvuelven. Pertenecen a esta etapa Federico Fellini, Michelangelo Antonioni y Pier Paolo Pasolini
Su obra fílmica
“Lo que ha marcado todo mi trabajo es el vinculo con la vida, cierto sentimiento de exclusión, donde no hay más argumentos que este amor por la vida” Pier Paolo Pasolini
Podemos dividir la filmografía de Pier Paolo Pasolini en tres partes, la primera perteneciente a la última etapa del neorrealismo italiano, posteriormente viene un periodo en el cual los simbolismos son frecuentes pero sin abandonar las bases neorrealistas, hasta llegar a Saló o los 120 días de Sodoma, su obra cumbre y póstuma.
En varias entrevistas3 Pier Paolo explica que su cambio al cine se debió más por encontrar un modo en el que su narrativa evolucionase que por alguna otra razón. Antes de filmar su primera película Pasolini había escrito varios guiones para diversos artistas italianos como, Federico Fellini y Mario Bolognini. Ya como cineasta Paolo se percata de que el cine es algo perdurable, sus personajes no solo quedan inmortalizados en papel, sino que perduran para siempre dentro del rollo de la cámara tal como eran en el momento de la filmación. Ya que las personas los paisajes inclusive el lodo se vuelve real y perdurable.
Accattone (1961)
Primer largometraje de Pier Paolo Pasolini, es considerado uno de los mejores filmes neorrealistas italianos. En este Pasolini narra la historia de Accattone, un joven que se dedica a prostituir mujeres y que malgasta sus días con sus amigos.
Aquí plasma algunos de los conceptos que serian constantes dentro de su filmografía, como lo son: los encuadres de las caras de los actores, el uso del personaje a manera de tragedia, la inserción del mundo que él llama “subproletario”, critica hacia la sociedad de clase media italiana, etc.
De las constantes antes mencionadas, quizás la que mas llama la intención del espectador en primera instancia son los encuadres y zoom que el director hace de las caras de sus actores, quienes no eran actores profesionales en su mayoría y que eran elegidos al papel mas por sus expresiones faciales que por sus dotes actorales, el objetivo de mostrar en primeros planos los gestos de los actores se debe a que Pasolini pensaba que no había nada mas real que eso, es lo que le da sentido y pasión a los personajes y es por esto que no usaba actores profesionales quienes fingirían sus actitudes y no resultarían reales para el lente de la cámara.
El otro punto a resaltar de este filme es el uso del personaje al estilo de una tragedia griega, por ejemplo Accattone a pesar de que vive rodeado de gente y vive inmerso completamente dentro de la cultura subproletaria, se encuentra solo y apartado de su mundo, y al encontrarse abandonado su vida no puede ser liberada mas que con la muerte. Donde también surge el hecho de que el personaje principal nunca podrá dejar atrás la vida que lleva y esta condenado a vivir eternamente de esa forma. Aquí Accattone se da cuenta de la fugacidad que su vida representa en el tiempo y en el entorno donde vive, otro ingrediente primario de la tragedia de Pasolini.
Y es aquí donde los primeros planos cobran sentido en la película, Accattone ve su vida deteriorarse poco a poco, su rostro se deforma con el paso de la película.
En algunas entrevistas Pasolini menciona que dentro de esta película, trataba de criticar como la naciente burguesía italiana destruía el lenguaje y los dialectos propios de la cultura de los barrios bajos y como esta subcultura del proletariado desaparecerían con el paso del tiempo, ya que la unificación de las masas es uno de los objetivos del capitalismo.
Mamma Roma (1962)
Mamma Roma segundo largometraje de Pasolini, evoluciona aun mas hacia el neorrealismo italiano.
El filme narra la historia de una prostituta llamada Mamma Roma, cuyo único objetivo en la vida es dejar atrás su pasado y darle una vida mejor a su hijo Ettore. Aquí es donde encontramos otra de las constantes de la filmografía de Pasolini, el personaje principal pertenece a las clases bajas y no es otra cosa que una prostituta con el deseo de cambiar su vida aspirando a un mejor nivel de vida.
En este punto la película se divide en dos partes por un lado la historia de Mamma Roma con sus ideales e aspiraciones que se ven truncadas por un pasado imborrable. La segunda línea dentro la película es dedicada a Ettore quien es nuevo de la cuidad, ya que viene del campo, donde también descubre el amor y se cerciora de la falta de amor maternal en su vida, lo que ocasiona que ocupe sus días vagabundeando.
Dentro de la película se puede observar claramente uno de las fuentes de inspiración de Pasolini sustraída de sus clases de pintura universitarias durante la dictadura fascista. La muerte de Ettore es una alegoría hacia la pintura maniqueísta de la cual Pasolini era fanático, ya que al jugar con el ángulo de la cama, Ettore es plasmado como si fuera el Cristo de Mantenga según las palabras del mismo cineasta.
También se inserta otro de los temas que trata constantemente Pasolini que es el de la muerte, aunque se observa desde distintos ángulos, en Mamma Roma por ejemplo al morir Ettore cobra conciencia de su ser.
La Ricotta (1963)
Cortometraje que inicialmente formaba parte de un proyecto en el que varios cineastas colaborarían y que se llama RoGoPaG, nombre que se debía al uso de las iniciales de los apellidos de los directores: Rossellini, Godard, Pasolini, Gregoretti.
El corto narra la historia de Stracci quien es parte de la representación de la pasión de Cristo y tiene el papel de buen ladrón Stracci es tan pobre que no puede alimentarse, al recibir comida durante la filmación corre y se la da a su familia que se encuentra igual de hambrienta, la acción continua y Stracci por varios motivos se ve incapacitado para comer, hasta que vende un perro y con el dinero compra una enorme cantidad de queso. Al comerlo los demás asistentes de la filmación comienzan a observarlo y le arrojan alimentos, que Stracci devora rápidamente.
Al comenzar a rodar la escena uno de los asistentes del productor repasa con Stracci sus líneas, cuando la cámara comienza a correr Stracci no responde a las instrucciones y no dice sus diálogos, cuando el asistente del director se acerca se percata de que Stracci a muerto de indigestión.
En este corto se encuentra otra de las constantes de Pasolini, el personaje es pobre y pertenece al mismo mundo del subproletariado de Accattone y Mamma Roma. También durante varias escenas se puede apreciar el uso de los cuadros maniqueístas para crear las escenas, inclusive se recrean esas pinturas pero ahora frente al lente de una cámara.
La rabbia (1963)
Le mura di Sana (1964)
El Evangelio según San Mateo (1964)
Primera película de Pasolini en la cual no escribe el guión, ya que decide tomar al pie de la letra los textos bíblicos. Esto marca una enorme diferencia al respecto de otras películas donde se ilustran los textos bíblicos, ya que en otras películas lo que se busca es la adaptación y el retratar la vida de Cristo.
Aquí Pasolini muestra otra de las facetas de sus filmes, el uso de la historia como semibiografía o como alegoría de su vida, el ejemplo de esto es usar la vida de Cristo para acusar a los que lo perseguían como artista, ya que Cristo también fue perseguido injustamente según relatan los evangelios.
Pasolini también busca criticar a la iglesia que con el pasar de los años se había convertido en un ente represor hacia la comunidad en especial hacia las clases mas necesitadas, regresando a la defensa subproletariado.
Así el uso de la palabra y de la Biblia se convierte en el discurso mismo de la película.
Il padre selvaggio (1965)
Comizi d'amore (1965)
Sopralluoghi in Palestina per il vangelo secondo Matteo (1965)
Uccellacci e uccellini (1966)
Le streghe (1967)
Edipo el hijo de la fortuna (1967)
Aquí Pier Paolo vuelve a utilizar un relato establecido a manera de guión, escogiendo la tragedia griega de Sófocles, Edipo Rey.
De nuevo Pasolini retrata parte de su vida, en especial su relación con su madre, hacia la cual el mismo confiesa haber sufrido del Complejo de Edipo, y por otra parte el odio y la mala convivencia que tuvo con su padre.
La película comienza en los años veinte, donde se observa a una mujer caminando en un prado con un bebe en sus brazos, ahí le es revelado a Edipo su futuro y su condena, el padre celoso del niño ordena a un esclavo que asesine al infante. En ese momento el mito se transporta a la edad de piedra, donde Edipo es salvado de morir por un campesino que recoge al niño y lo lleva a Corinto donde es adoptado por lo reyes. El mito avanza según lo marca la tragedia griega. Hasta que Edipo se perfora los ojos con el prendedor de Yocasta y comienza a vagar con el auxilio de un muchacho, y no de su hija como se cuenta en la trama original, así es transportado de nueva cuenta hasta los años 60, donde continuando penando hasta encontrar el prado donde comenzó todo y de esa forma morir.
Durante la película se vuelve a presentar el uso de los primeros planos de los rostros de los actores, reflejándose sobre todo en Edipo sus estados de ánimo hasta culminar en la locura del personaje.
Otro punto interesante es que Pasolini comienza a usar mas marcadamente simbolismos dentro de la cinta, de esta forma tomando distancia del Neorrealismo, como ejemplo de esto: la cámara sigue a Edipo en una toma de su rostro, se insertan imágenes donde Edipo se observa rodeado de gente, después solo y finalmente rodeado de cabras y asnos, de esta manera Pier simboliza la homogenización de las masas, que siguen ciegamente lo que dicta el oráculo, al igual que en la vida real siguen a figuras religiosas y políticas.
Amore e rabbia (1969) (segmento "La sequenza del fiore di carta")
Porcile (1969)
Medea (1969)
Appunti per un romanzo dell'immondezza (1970)
El Decamerón (1971)
Película que forma parte de la trilogía de la vida como lo llama el director. Junto con los Cuentos de Canterbury y Las mil y una noches.
En el Decamerón Pasolini muestra una de las ideas más criticadas por la iglesia y la política de derecha, El sexo como acto de culminación en el ser humano y por la tanto como fin del mismo.
También el filme presenta una crítica constante hacia las corrientes marxistas, al atacar el materialismo histórico, que según Pasolini en algunos lugares se toma como una segunda iglesia. Buscando criticar de igual manera la sociedad de consumo que se ha creado con el paso de los años, dentro de la cual las personas no se detienen a pensar en lo que es mejor para ellos sino que solamente toman lo que las empresas y consocios quieren que tomen.
Continua el uso de las tomas de las caras de los actores, buscando que el espectador se sienta identificado, con lo que ve en pantalla. La sexualidad se usa también como válvula de escape de la cotidianeidad, ya que el sexo es ampliamente condenado por la iglesia, Pasolini usa las secuencias de sexo en pantalla buscando eludir la visión que la burguesía ha implementado en el mundo.
12 dicembre (1972)
II racconti di Canterbury (1972)
Il fiore delle mille e una notte (1974)
Saló o los 120 días de Sodoma (1975)
Ultima película de Pasolini, durante la edición de la película Pier Paolo es asesinado. Así que la película es estrenada después de la muerte del director. Siendo objeto de críticas muy duras que inclusive han provocado que el filme sea prohibido en varios países. Acción que considero equivocada, ya que la primera lectura del largometraje es compleja y debe ser visto varias veces para comprender los simbolismos que Pasolini captura con la ayuda de su lente.
Saló es una adaptación de la novela escrita por el Marques de Sade, donde se narra la historia de 4 poderosos señores, quienes secuestran a varios jóvenes y los llevan a una villa. Donde los señores firman un pacto estipulando que son dueños de la vida de sus invitados y quien ose violar el reglamento será castigado con la muerte.
Durante el transcurso del filme los jóvenes son maltratados, violados y obligados a acusar a los otros cuando el reglamento no se cumple. Cuatro exprostitutas relatan su vida para excitación de los señores. La película concluye con varias imágenes donde los jóvenes son torturados y asesinados, mientras dos de los jóvenes que los cuidaban bailan y se hacen preguntas al parecer inocentes sobre la vida.
Esta película es quizás la que más metáforas contiene en la filmografía de Pasolini, inclusive el nivel de los simbolismos es difícil de entender en primera instancia.
Por ejemplo los señores feudales representan los cuatro poderes que mantienen al pueblo o a las masas oprimidas, Clero, Estado, Nobleza y los Empresarios4. Cada uno de los señores representa alguno de estos grupos y de esa forma dominan a los jóvenes que han sido secuestrados.
Otra simbolización importante dentro de la película es cuando los señores de la casa deciden que se dará un banquete de mierda, por que no hay cosa más deliciosa en el mundo según ellos, de ese modo los subyugados son obligados a comer heces. La simbolización de Pasolini o según palabras del autor es una metáfora de cómo las grandes compañías provocan que consumamos cosas que no sirven a nuestro sistema, esa comida inservible se representa con mierda.
Como todo cineasta Pasolini tiene altos y bajos, pero en general la mayoría de sus películas vale la pena observarlas no una sino varias veces. Ya que la teoría que trato de desarrollar durante su carrera se mantiene en continua evolución y se vio truncada con la muerte del cineasta. A pesar de haber tenido una corta carrera, fue un director muy prolífico, todo esto aunado a los ataques que sufrió de la sociedad, los políticos y la iglesia, esta última quizás es la que mas llama la atención ya que Pier Paolo se declaraba un ferviente católico, que buscaba continuamente el perfeccionamiento de su religión.
El Ocaso
“Lo mejor de la vida es el pasado, el presente y el futuro”
Pier Paolo Pasolini
Era el 2 de Noviembre de 1975 y el cuerpo del aclamado director fue encontrado en la playa por la policía, había sido arrollado repetidas veces por Giuseppe Pelosi, un joven proxeneta de tan solo 17 años. Quien confeso el asesinato y el robo del Alfa Romeo de Pasolini, por lo cual fue declarado culpable y sentenciado a prisión.
Pero con el paso de los años diversas teorías han nacido en torno del fallecimiento. En el 2005 Pelosi contradijo su primera confesión, argumentando que una banda de extremistas era en realidad la autora del asesinato y que acepto originalmente los cargos por temor a represalias contra su familia. Debido a esta nueva confesión el caso fue reabierto, nuevas evidencias fueron analizadas debido a las contradicciones de Pelosi, se descubrió que durante la investigación el servicio secreto italiano intervino al esconder evidencias, por lo cual los amigos del director piensan que se trato de un asesinato político.
Otras evidencias apunta hacia una banda de extorsionadores, quienes habrían robado algunos rollos de Saló y la noche del asesinato habían citado al cineasta para que este pagara una fuerte suma de dinero como rescate, al negarse a pagar fue asesinado.
Giuseppe Zigaina, amigo cercano de Pasolini, ha declarado en varias ocasiones que el poeta planeo su asesinato, como parte de la expresión de su arte y asegura que a lo largo de su trabajo se pueden encontrar pasajes muy parecidos a la muerte del director.
Ninguna de estas teorías ha sido confirmada por la policía, por lo cual el caso fue cerrado nuevamente.
1 Fragmento del Poema, Danza de Narciso del libro La mejor juventud 1941-1953. Versión de Delfina Muschietti. 2 Datos del libro El Neorrealismo en el cine italiano. De Visconti a Fellini de Marcos Ripalda. 3 Mamma Roma, Pier Paolo Pasolini, Italia 1962, 110 minutes, Black and White, 1.85:1, Italian, The Criterion Collection 4 Del libro Pier Paolo Pasolini de Silvestra Marinello, Cátedra, 1999
