Pier Paolo Pasolini cineasta, poeta, novelista, periodista.
Nació en Bolonia en el año 1922 y murió en 1975 en Ostia, a manos de un seudo fanático.
Pasolini fue parte importante del movimiento neorrealista italiano, del cual sus dos primeros filmes son el más claro ejemplo. Su filmografía en si se divide en tres partes, la primera como ya menciones anteriormente pertenece al neorrealismo completamente, después viene un periodo en el cual Pier camina lentamente hacia un cine mas simbólico sin dejar de lado las claves del neorrealismo, hasta llegar a Saló o los 120 días de Sodoma.
EL desarrollo de Pasolini comienza en la poesía, genero en el que fue reconocido a lo largo de Italia y en el que comienza a plasmar algunas de las ideas que marcarían su cinematografía, como la critica al marxismo histórico o su abierta homosexualidad.
Después de varios libros de poesía, Pasolini se vuelve novelista y es en esta faceta donde aparece otra de las constantes de su cine, la vida vista desde las clases bajas o las que anhelan con ser pequeño burguesas, ejemplo de esto es la novela “Una vida violenta”.
En varias entrevista Pier Paolo explica que su cambio al cine se debió más por encontrar un modo en el que su narrativa evolucionase que por alguna otra razón. Antes de filmar su primera película Pasolini había escrito varios guiones para diversos artistas italianos como, Federico Fellini y Mario Bolognini. Ya como cineasta Paolo se percata de que el cine es algo perdurable, sus personajes no solo quedan inmortalizados en papel, sino que perduran para siempre dentro del rollo de la cámara tal como eran en el momento de la filmación. Ya que las personas los paisajes inclusive el lodo se vuelve real y perdurable.
Accattone (1961)
Primer largometraje de Pier Paolo Pasolini, es considerado uno de los mejores filmes neorrealistas italianos. En este Pasolini narra la historia de Accattone, un joven que se dedica a prostituir mujeres y que malgasta sus días con sus amigos.
Aquí plasma algunos de los conceptos que serian constantes dentro de su filmografía, como lo son: los encuadres de las caras de los actores, el uso del personaje a manera de tragedia, la inserción del mundo que el llama “subproletario”, critica hacia la sociedad de clase media italiana, etc.
De las constantes antes mencionadas, quizás la que mas llama la intención del espectador en primera instancia son los encuadres y zoom que el director hace de las caras de sus actores, quienes no eran actores profesionales en su mayoría y que eran elegidos al papel mas por sus expresiones faciales que por sus dotes actorales, el objetivo de mostrar en primeros planos los gestos de los actores se debe a que Pasolini pensaba que no había nada mas real que eso, es lo que le da sentido y pasión a los personajes y es por esto que no usaba actores profesionales quienes fingirían sus actitudes y no resultarían reales para el lente de la cámara.
El otro punto a resaltar de este filme es el uso del personaje al estilo de una tragedia griega, por ejemplo Accattone a pesar de que vive rodeado de gente y vive inmerso completamente dentro de la cultura subproletaria, se encuentra solo y apartado de su mundo, y al encontrarse abandonado su vida no puede ser liberada mas que con la muerte. Donde también surge el hecho de que el personaje principal nunca podrá dejar atrás la vida que lleva y esta condenado a vivir eternamente de esa forma. Aquí Accattone se da cuenta de la fugacidad que su vida representa en el tiempo y en el entorno donde vive, otro ingrediente primario de la tragedia de Pasolini.
Y es aquí donde los primeros planos cobran sentido en la película, Accattone ve su vida deteriorarse poco a poco, su rostro se deforma con el paso de la película.
En algunas entrevistas Pasolini menciona que dentro de esta película, trataba de criticar como la naciente burguesía italiana destruía el lenguaje y los dialectos propios de la cultura de los barrios bajos y como esta subcultura del proletariado desaparecería con el paso del tiempo, ya que la unificación de las masas es uno de los objetivos del capitalismo.
Mamma Roma (1962)
Mamma Roma segundo largometraje de Pasolini, evoluciona aun mas hacia el neorrealismo italiano.
El filme narra la historia de una prostituta llamada Mamma Roma, cuyo único objetivo en la vida es dejar atrás su pasado y darle una vida mejor a su hijo Ettore. Aquí es donde encontramos otra de las constantes de la filmografía de Pasolini, el personaje principal pertenece a las clases bajas y no es otra cosa que una prostituta con el deseo de cambiar su vida aspirando a un mejor nivel de vida.
En este punto la película se divide en dos partes por un lado la historia de Mamma Roma con sus ideales e aspiraciones que se ven truncadas por un pasado imborrable. La segunda línea dentro la película es dedicada a Ettore quien es nuevo de la cuidad, ya que viene del campo, donde también descubre el amor y se cerciora de la falta de amor maternal en su vida, lo que ocasiona que ocupe sus días vagabundeando.
Dentro de la película se puede observar claramente uno de las fuentes de inspiración de Pasolini sustraída de sus clases de pintura universitarias durante la dictadura fascista. La muerte de Ettore es una alegoría hacia la pintura maniqueísta de la cual Pasolini era fanático, ya que al jugar con el ángulo de la cama, Ettore es plasmado como si fuera el Cristo de Mantenga según las palabras del mismo cineasta.
También se inserta otro de los temas que trata constantemente Pasolini que es el de la muerte, aunque se observa desde distintos ángulos, en Mamma Roma por ejemplo al morir Ettore cobra conciencia de su ser.
La Ricotta (1963)
Cortometraje que inicialmente formaba parte de un proyecto en el que varios cineastas colaborarían y que se llama Rogopag, nombre que se debía al uso de las iniciales de los apellidos de los directores: Rossellini, Godard, Pasolini, Gregoretti.
El corto narra la historia de Stracci quien es parte de la representación de la pasión de Cristo y tiene el papel de buen ladrón Stracci es tan pobre que no puede alimentarse, al recibir comida durante la filmación corre y se la da a su familia que se encuentra igual de hambrienta, la acción continua y Stracci por varios motivos se ve incapacitado para comer, hasta que vende un perro y con el dinero compra una enorme cantidad de queso. Al comerlo los demás asistentes de la filmación comienzan a observarlo y le arrojan alimentos, que Stracci devora rápidamente.
Al comenzar a rodar la escena uno de los asistentes del productor repasa con Stracci sus líneas, cuando la cámara comienza a correr Stracci no responde a las instrucciones y no dice sus diálogos, cuando el asistente del director se acerca se percata de que Stracci a muerto de indigestión.
En este corto se encuentra otra de las constantes de Pasolini, el personaje es pobre y pertenece al mismo mundo del subproletariado de Accattone y Mamma Roma. También durante varias escenas se puede apreciar el uso de los cuadros maniqueístas para crear las escenas, inclusive se recrean esas pinturas pero ahora frente al lente de una cámara.
El Evangelio según San Mateo (1964)
Primera película de Pasolini en la cual no escribe el guión, ya que decide tomar al pie de la letra los textos bíblicos. Esto marca una enorme diferencia al respecto de otras películas donde se ilustran los textos bíblicos, ya que en otras películas lo que se busca es la adaptación y el retratar la vida de Cristo.
Aquí Pasolini muestra otra de las facetas de sus filmes, el uso de la historia como semibiografía o como alegoría de su vida, el ejemplo de esto es usar la vida de Cristo para acusar a los que lo perseguían como artista, ya que Cristo también fue perseguido injustamente según relatan los evangelios.
Pasolini también busca criticar a la iglesia que con el pasar de los años se había convertido en un ente represor hacia la comunidad en especial hacia las clases mas necesitadas, regresando a la defensa subproletariado.
Así el uso de la palabra y de la Biblia se convierte en el discurso mismo de la película.
Edipo el hijo de la fortuna (1967)
Aquí Pier Paolo vuelve a utilizar un relato establecido a manera de guión, escogiendo la tragedia griega de Sófocles, Edipo Rey.
De nuevo Pasolini retrata parte de su vida, en especial su relación con su madre, hacia la cual el mismo confiesa haber sufrido del Complejo de Edipo, y por otra parte el odio y la mala convivencia que tuvo con su padre.
La película comienza en los años veinte, donde se observa a una mujer caminando en un prado con un bebe en sus brazos, ahí le es revelado a Edipo su futuro y su condena, el padre celoso del niño ordena a un esclavo que asesine al infante. En ese momento el mito se transporta a la edad de piedra, donde Edipo es salvado de morir por un campesino que recoge al niño y lo lleva a Corinto donde es adoptado por lo reyes. El mito avanza según lo marca la tragedia griega. Hasta que Edipo se perfora los ojos con el prendedor de Yocasta y comienza a vagar con el auxilio de un muchacho, y no de su hija como se cuenta en la trama original, así es transportado de nueva cuenta hasta los años 60, donde continuando penando hasta encontrar el prado donde comenzó todo y de esa forma morir.
Durante la película se vuelve a presentar el uso de los primeros planos de los rostros de los actores, reflejándose sobre todo en Edipo sus estados de ánimo hasta culminar en la locura del personaje.
Otro punto interesante es que Pasolini comienza a usar mas marcadamente simbolismos dentro de la cinta, cosa que comienza a distanciarlo del Neorrealismo, como ejemplo de esto: la cámara sigue a Edipo en una toma de su rostro, se insertan imágenes donde Edipo se observa rodeado de gente, después solo y finalmente rodeado de cabras y asnos, de esta manera Pier simboliza la homogenización de las masas, que siguen ciegamente lo que dicta el oráculo, al igual que en la vida real siguen a figuras religiosas y políticas.
El Decamerón (1971)
Película que forma parte de la trilogía de la vida como lo llama el director. Junto con los Cuentos de Canterbury y Las mil y una noches.
En el Decamerón Pasolini muestra una de las ideas más criticadas por la iglesia y la política de derecha, El sexo como acto de culminación en el ser humano y por la tanto como fin del mismo.
También el filme presenta una critica constante hacia las corrientes marxistas, al atacar el materialismo histórico, que según Pasolini en algunos lugares se toma como una segunda iglesia. Buscando criticar de igual manera la sociedad de consumo que se ha creado con el paso de los años, dentro de la cual las personas no se detienen a pensar en lo que es mejor para ellos sino que solamente toman lo que las empresas y consocios quieren que tomen.
Continua el uso de las tomas de las caras de los actores, buscando que el espectador se sienta identificado, con lo que ve en pantalla. La sexualidad se usa también como válvula de escape de la cotidianeidad, ya que el sexo es ampliamente condenado por la iglesia, Pasolini usa las secuencias de sexo en pantalla buscando eludir la visión que la burguesía ha implementado en el mundo.
Saló o los 120 días de Sodoma (1975)
Ultima película de Pasolini, durante la edición de la película Pier Paolo es asesinado por un fanático que se sentía insultado por su anterior película (Las mil y una noches). Así que la película es estrenada después de la muerte del director. Siendo objeto de críticas muy duras que inclusive han provocado que el filme sea prohibido en varios países. Acción que considero equivocada, ya que la primera lectura del largometraje es compleja y debe ser visto varias veces para comprender los simbolismos que Pasolini captura con la ayuda de su lente.
Saló es una adaptación de la novela escrita por el Marques de Sade, donde se narra la historia de 4 poderosos señores, quienes secuestran a varios jóvenes y los llevan a una villa. Donde los señores firman un pacto estipulando que son dueños de la vida de sus invitados y quien ose violar el reglamento será castigado con la muerte.
Durante el transcurso del filme los jóvenes son maltratados, violados y obligados a acusar a los otros cuando el reglamento no se cumple. Cuatro exprostitutas relatan su vida para excitación de los señores. La película concluye con varias imágenes donde los jóvenes son torturados y asesinados, mientras dos de los jóvenes que los cuidaban bailan y se hacen preguntas al parecer inocentes sobre la vida.
Esta película es quizás la que más simbolismos tiene dentro de la filmografía de Pasolini, inclusive el nivel de los simbolismos es difícil de entender en primera instancia.
Por ejemplo los señores feudales representan los cuatro poderes que mantienen al pueblo o a las masas oprimidas, Clero, Estado, Nobleza y los Empresarios. Cada uno de los señores representa alguno de estos grupos y de esa forma dominan a los jóvenes que han sido secuestrados.
Otra simbolización importante dentro de la película es cuando los señores de la casa deciden que se dará un banquete de mierda, por que no hay cosa mas deliciosa en el mundo según ellos, de ese modo los subyugados son obligados a comer heces. La simbolización de Pasolini o según palabras del autor es una metáfora de cómo las grandes compañías provocan que consumamos cosas que no sirven a nuestro sistema, esa comida inservible se representa con mierda.
Conclusiones
Personalmente creo que la filmografía de Pier Paolo Pasolini debería de ser revalorada internacionalmente, ya que en términos generales es considerada como algo underground o solo para gente que ya se interesa mas por entender la sintaxis que se da en pantalla.
Como todo cineasta Pasolini tiene altos y bajos, pero en general la mayoría de sus películas vale la pena observarlas no una sino varias veces. Ya que la teoría que trato de desarrollar durante su carrera se mantiene en continua evolución, que se vio truncada con la muerte del cineasta. A pesar de haber tenido una carrera corta en cuanto años, fue un director muy prolífico, todo esto aun con ataques políticos y de la iglesia, de esta ultima quizás es la que mas llama la atención ya que Pier Paolo era un católico declarado, que solo buscaba el mejoramiento de su religión.
Personalmente recomendaría Saló, Accattone y Mamma Roma
El pasivo es el uso de cierto producto sin que el intérprete haga referencia directa a ello, en “Volver al futuro” el personaje de Michael J. Fox, Marty McFly, utiliza un par de tenis Nike fácilmente reconocibles en varias tomas de la película.
